ESPECIES DE CONTRAPUNTO

El contrapunto (del latín punctus contra punctum, nota contra nota) es una técnica de composición musical que evalúa la relación existente entre dos o más voces independientes (polifonía) con la finalidad de obtener cierto equilibrio armónico. Casi la totalidad de la música compuesta en Occidente es resultado de algún proceso contrapuntístico.

Las especies de contrapunto se han desarrollado como una herramienta pedagógica, en la que un estudiante avanza a través de varias "especies" de complejidad creciente, con una parte muy simple que no cambia conocido como el cantus firmus (en latín significa "melodía fija").

PRIMERA ESPECIE
En la primera especie de contrapunto, cada nota en cada voz adicional (voces a las que nos referiremos también como líneas o partes) suena en contra de una nota del cantus firmus. Las notas de todas las voces suenan simultáneamente y se mueven una contra la otra al mismo tiempo. Se dice que la especie se expande si alguna de las notas agregadas están fragmentadas.

REGLAS

1. Comenzar y terminar en unísono, octava o quinta, a menos que la voz añadida sea inferior, en cuyo caso se comienza y termina solamente en unísono u octava.
2. No utilizar unísono excepto al principio o al final.
3. Evitar las quintas u octavas paralelas entre dos voces cualesquiera y evitar las quintas u octavas paralelas "ocultas". Es decir, se mueve por movimiento contrario hacia una quinta o octava perfectas, a menos que una parte (a veces limitada a las voces superiores) se mueve por grados conjuntos.
4. No moverse en cuartas paralelas. (En la práctica, Palestrina y otros con frecuencia se permiten progresiones de este tipo, especialmente si no involucran a la más baja de las voces).
5. No moverse en terceras o sextas paralelas durante mucho tiempo.
6. Tratar de mantener dos voces adyacentes dentro de una distancia de décima entre ellas, a menos que pueda crearse una línea melódica excepcionalmente agradable moviéndose fuera de ese rango.
7. Evitar que las dos partes se mueven en la misma dirección por el salto.
8. Tratar de introducir tanto movimiento contrario como sea posible.
9. Evitar los intervalos disonantes entre dos voces cualquiera: las segundas mayores y menores, las séptimas menores, cualquier intervalo aumentado o disminuido así como las cuartas perfectas.

SEGUNDA ESPECIE

En la segunda especie de contrapunto, dos notas de cada una de las voces agregadas se contraponen a cada nota más larga de la voz dada. Esta especie se dice que es expandida si una de esas dos notas más cortas difiere de la otra en longitud. 

REGLAS

1. Se permite comenzar en un tiempo débil del compás, dejando un silencio de blanca en la voz que se añade.
2. El tiempo fuerte del compás sólo debe contener consonancias (perfectas o imperfectas). El tiempo débil puede contener disonancias, pero sólo como notas de paso, es decir, debe ser abordado y resuelto por grados conjuntos en la misma dirección.
3. Evitar el intervalo de unísono salvo al principio o al final del ejemplo, con la excepción de que puede producirse en una parte no acentuada del compás.
4. Tener cuidado con las quintas u octavas perfectas acentuadas sucesivas, que no deben ser utilizadas como parte de un patrón secuencial.

TERCERA ESPECIE

En la tercera especie de contrapunto, cuatro (o tres, etc.) notas se mueven contra cada nota más larga de la voz dada. Al igual que ocurre con la segunda especie, se llama expandida si las notas más cortas varían en longitud entre sí.

CUARTA ESPECIE

En la cuarta especie de contrapunto, algunas notas se mantienen suspendidasen una voz añadida mientras que otras notas se mueven contra ellas en la voz dada, creando a menudo una disonancia en el tiempo fuerte del compás, seguida de la nota suspendida y luego cambia (y "se pone al día") para crear una posterior consonancia con la nota de la voz dada, ya que sigue sonando. 

QUINTA ESPECIE

En la quinta especie de contrapunto, a veces llamado contrapunto florido, las otras cuatro especies de contrapunto se combinan en las voces añadidas. 

Fuente: http://es.m.wikipedia.org/wiki/Contrapunto

Modos Eclesiásticos.

El canto gregoriano está basado en 8 modos ordenados en pares: protus, deuterus, tritus y el tetrardus.

Cada uno de los modos terminan en una misma nota re, mi, fa y sol respectivamente, llamada “final”. El protus está formado por dos modos: el auténtico-dórico y el plagal-hipodórico; el deuterus por el auténtico-frigio y el plagal-hipofrigio; el tritus por el auténtico-lidio y el plagal-hipolidio; y el tetrardus por el por el auténtico-mixolidio y el plagal-hipomixolidio.

Todos los modos constan de un pentacordo y un tetracordo, la diferencia entre el auténtico y el plagal es el orden. En los modos auténticos es pentacordo+tetracordo, y en el plagal es tetracordo+pentacordo. En el plagal la nota de unión entre el tetracordo y el pentacordo es la “final”.

Casi siempre los modos se escribían sin alteraciones, haciendo una sola excepción: el Si b. aparecía con mucha frecuencia en el modo auténtico lidio (fa-fa´) que sería equivalente a la escala mayor actual.

Cada modo contiene una nota llamada “Dominante”; en el modo auténtico la dominante es la quinta superior a la final, en el plagal es la tercera superior, pero a partir del siglo X las dominantes de los modos 3, 4, y 8 subieron un tono y se han mantenido así. Se transportaban los cantos con los modos no con los neumas, por lo que cada quien cantaba los intervalos cómodamente. En el siglo XVI, se produjeron 4 nuevos modos, el jónico, hipotónico, el eólico y el hipo eólico.

Los textos que no habían sido adaptados a melodías se cantaban como recitativos. Para esto se crearon fórmulas recitativas. Las sílabas acentuadas del texto tienen que coincidir con las inflexiones de la voz.

Fuente:http://es.m.wikipedia.org/wiki/Modo_musical

1ra SEMANA: Modos griegos.

Un modo griego es una organización de sonidos descendentes (que van de un sonido agudo a uno más grave) estableciendo distancias de tono o medio tono entre los siete sonidos que lo conforman. Los modos griegos establecen los fundamentos teóricos para lo que se denomina posteriormente escalas musicales. Para ser más comprensible esta definición, se puede construir un modo o escala si se usan las notas de una escala mayor cambiando el «punto de partida», pero haciéndolos de forma descendente, por ejemplo, de do a do, si a si, completando las siete escalas, una sobre cada sonido.

En la teoría musical de la antigua Grecia es más apropiado emplear los términos harmonia o tonos (en plural harmoniai o tonoi), ya que la palabra «modo» es un término latino posterior. Los modos griegos antiguos o escalas griegas según la tradición de Aristoxeno de Tarento eran los siguientes:

Modo dórico: hypate meson–nete diezeugmenon (mi′–mi″)

Modo locrio (común) o modo hipodórico: mese–nete hyperbolaion o proslambnomenos–mese (la′–la″ o la–la′)

Modo frigio: lichanos hypaton–paranete diezeugmenon (re′–re″)

Modo hipofrigio: lichanos meson–paranete hyperbolaion (sol′–sol″)

Modo lidio: parhypate hypaton–trite diezeugmenon (do′–do″)

Modo hipolidio: parhypate meson–trite hyperbolaion (fa′–fa″)

Modo mixolidio: hypate hypaton–paramese (si–si′)

Tipos

Estos ocho modos se clasificaban en dos tipos:

Modos auténticos: dórico, frigio, lidio y mixolidio, que se construían descendentemente a partir de la nota tónica del modo mediante dos tetracordos idénticos separados por un tono entero.

Modos plagales: hipodórico, hipofrigio, hipolidio e hipomixolidio, que se obtenían desplazando una cuarta hacia abajo los anteriores y por eso se designan con igual nombre que los modos auténticos pero con el prefijo hipo que significa «debajo», «bajo de».

FUENTE:http://es.m.wikipedia.org/wiki/Modos_griegos

Salida didáctica: Teotihuacan. 24/10/14

Foto: Daniela Zamudio

Foto: María de Lourdes R. Noriega

Foto: María de Lourdes R. Noriega

Tonalidad menor.

Las escalas musicales en modo menor tienen como característica más destacada que la distancia entre su primer y tercer grados es de tercera menor (un tono y medio).

Escala menor natural

La escala menor natural es equivalente al modo eólico de la escala mayor. La escala menor natural de la (que coincide con las teclas blancas del piano al igual que su relativo mayor, do mayor) está formada por las notas: la, si, do, re, mi, fa, sol y la. La tradición musical occidental normalmente ha utilizado esta escala introduciendo una variación para tener mayor estabilidad. Dado que el acorde que se forma sobre el quinto grado de la escala menor natural es menor, históricamente se ha alterado la tercera de este acorde para que la cadencia V-I sonara más conclusiva. Esto nos da como resultado la llamada escala menor armónica.

Escala menor natural: 1 2 ♭3 4 5 ♭6 ♭7

Los acordes que se forman en cada grado de la escala menor natural son los siguientes:

I, acorde menor.

II, acorde disminuido.

III, acorde mayor.

IV, acorde menor.

V, acorde menor.

VI, acorde mayor.

VII, acorde mayor.

Escala menor armónica

La escala menor armónica se forma subiendo un semitono al séptimo grado

Escala de la menor natural: la-si-do-re-mi-fa-sol-la

Escala de la menor armónica: la-si-do-re-mi-fa-sol#-la

Escala menor melódica

La escala menor melódica tiene la particularidad de que ―cuando se interpreta con movimiento ascendente― sus grados VI y VII ascienden un semitono, pero ―cuando el movimiento es descendente― se tocan sin cambios. Es decir, combina la escala menor bachiana (al interpretarlo hacia los agudos), y la escala menor natural (al tocarlo hacia los graves). 

Las funciones armónicas en las tonalidades menores

En las tonalidades menores encontramos las mismas funciones armónicas que en las tonalidades mayores. Sin embargo los acordes cambian. En la siguiente tabla pueden ver los tipos de acordes dentro de ambos modos:

  Tonalidad mayor    Tonalidad menor

I Acorde mayor    Acorde menor

IV Acorde mayor    Acorde menor

V Acorde mayor    Acorde mayor1

II Acorde menor    Acorde disminuido

VII Acorde disminuido Acorde disminuido2

(1) En el caso de las tonalidades menores el V debe ser un acorde menor si usamos la escala menor natural. SIn embargo para obtener la función de dominante, debemos alterar su 3ra y convertir el acorde en mayor. Es por esto que la escala menor con el VII grado alterado recibe el nombre de escala menor armónica ya que esta alteración se basa en una razón de tipo armónico (vea La escala menor).

(2) En forma similar al V grado, el VII grado debe ser alterado para que pueda tener función de dominante.

Cadencia Frigia o Andaluza: Esta cadencia, típica de nuestro país comenzó a utilizarse durante el siglo XVI y hasta hoy sigue vigente. Tiene un marcado carácter modal, en este caso, el modo frigio ya que la cadencia aparece de forma natural en la escala descendente frigia. Esta escala, que llegó a nuestra península a través de la cultura musulmana por lo que podemos encontrarlos en muchos países del norte de África. Incluso llegó a extenderse, a través de Bizancio a Rusia. De hecho, la primera definición de esta cadencia fue escrita por Romsky-Korsakov en su tratado de armonía de 1886. A pesar de nacer como una cadencia modal, sus características le han permitido adaptarse al sistema de la tonalidad manteniendo así su supervivencia y difusión en Europa. Es por ello, que la definiremos aquí como una cadencia tonal.

Esta semicadencia, construida de forma natural en el modo menor, tiene manifestaciones. La extendida, formado por cuatro acordes, y la abreviada, por sólo dos. 

Escala pentatónica menor

La pentatónica menor es una escala relativa de la pentatónica mayor. Así pues, la pentatónica menor de la estaría formada por las mismas notas que la pentatónica mayor de do pero comenzando en la, dando como resultado la-do-re-mi-sol-la.

Aplicar el esquema de intervalos tono y medio-tono-tono-tono y medio-(tono) a partir de una nota concreta. Desde la el resultado es la-do-re-mi-sol-la.

Partiendo de una escala menor, eliminar los grados segundo y sexto menor. En otras palabras, tomar de la escala menor natural los tonos 1, 3, 4, 5 y 7. Por ejemplo, en la escala de la menor (la-si-do-re-mi-fa-sol) se omiten el segundo grado y el sexto menor (si y fa) y se obtiene la-do-re-mi-sol-la.

También puede entenderse como una escala de blues con determinados huecos.


Ejemplo de piezas en tonalidad menor:
http://m.youtube.com/watch?v=a-GCT8isJp4
http://m.youtube.com/watch?v=VWPACef2_eY
http://m.youtube.com/watch?v=TRZLxxR23K4


Fuentes:
http://teoria.com/aprendizaje/funciones/menores.php
http://tono-menor.blogspot.mx/2012/03/teoria-las-cadencias-iii.html?m=1
http://tono-menor.blogspot.mx/2012/10/top-5-la-obra-mas-triste-jamas-compuesta.html?m=1
http://es.m.wikipedia.org/wiki/Modo_menor
http://es.m.wikipedia.org/wiki/Escala_pentat%C3%B3nica

SEMANA 2: Armonía

SONATA CLÁSICA
La sonata clásica, la forma más difundida de esta forma musical, es una obra que consta de tres o cuatro movimientos, compuesta para uno, dos o tres instrumentos. Inicialmente predominaron las formas de tres movimientos, especialmente en la época clásica, pero a medida que aumentaban tanto su complejidad como duración se popularizaron las de cuatro movimientos.

CONCERTO GROSSO
El concerto grosso era una forma instrumental barroca de origen italiano basada en la contraposición entre un pequeño grupo de solistas y una orquesta completa (el tutti). El concerto grosso data aproximadamente de 1680 y puede atribuirse a Alessandro Stradella, quien parece haber escrito la primera obra musical en la cual un "concertino" y un ripieno se enfrentan de forma característica, a pesar de no usar el término concerto grosso.

SINFONÍA
Una sinfonía es un tipo de composición musical para la orquesta, dividida en cuatro movimientos, cada uno con un tiempo y estructura diferente. La forma de la sinfonía ha variado con el tiempo, por ejemplo, las contemporáneas deArthur Honegger son de 3 movimientos. El tamaño de la orquesta necesaria para interpretar una sinfonía, en general, ha crecido con el tiempo: mientras una orquesta de cámara con un par de docenas de instrumentos es suficiente para interpretar una sinfonía de Joseph Haydn, una de Gustav Mahler puede requerir varios centenares de intérpretes.

POEMA SINFÓNICO
Un poema sinfónico es una obra de origen extra musical, de carácter poético literario, cuya finalidad es mover sentimientos y despertar sensaciones, o describir una escena mediante la música. Generalmente consta de un único movimiento y está escrito para orquesta, aunque puede ser para piano o para pequeñas formaciones instrumentales. El poema sinfónico es una guía para el desarrollo de la forma musical como tal en términos técnicos.

FANTASÍA
La fantasía es una forma musical libre que se distingue por su carácter improvisatorio e imaginativo, más que por una estructuración rígida de los temas. Así, permite al compositor una mayor expresividad musical relajando las restricciones inherentes a otras formas tradicionales más rígidas, como la sonata o la fuga. Sin embargo, esto no quiere decir que una fantasía carezca por completo de estructura formal. De hecho, muchas fantasías se basan en la forma sonata en aspectos tales como el uso y reexposición de varios temas, o la delimitación de secciones contrastantes entre sí, pero con un tratamiento mucho más libre.

PRELUDIO ROMÁNTICO Y BARROCO
Es el barroco siglo XVII el que asiste al prolífico matrimonio entre el preludio y la “fuga”. Este nuevo género, el celebérrimo de “Preludio y fuga”, que goza de una precisa y rigurosa construcción compositiva, combina la introducción libre, recreativa y clásica del preludio con una sección posterior plena de concisión, regularidad y didáctica, la fuga en sí misma, que servía de epílogo o de contraste con respecto a la primera parte. Y en el transcurso del siglo XIX y en el comienzo del XX cuando asistamos al devenir del preludio (“a secas”) para piano, breve composición que obtiene una independencia total con respecto a otras formas.

Fuente: http://es.m.wikipedia.org/wiki/Sonata
               http://es.m.wikipedia.org/wiki/Concerto_grosso
               http://es.m.wikipedia.org/wiki/Sinfonía
               http://es.m.wikipedia.org/wiki/Poema_sinfónico
               http://es.m.wikipedia.org/wiki/Fantasía_(música)
               http://orfeoed.com/melomano/2012/articulos/claves-para-disfrutar-de-la-musica/formas-musicales/el-preludio/

SEMANA 1: Notas de adorno

Nota de paso

La nota de paso lleva por grados conjuntos o cromáticamente de una nota a otra.

Las notas de paso ocurren en las partes débiles del compás o tiempo.

Apoyatura 

Se trata de una nota que no pertenece a la melodía o al acorde. Normalmente da lugar a una disonancia con respecto a la armonía predominante que inmediatamente después se resuelve por grados conjuntos en el siguiente tiempo débil.

Mordente

El mordente (del latín mordere, "morder") es un adorno melódico que por lo general indica que la nota principal o real (la nota escrita) debe ser tocada con una única alternancia rápida de dicha nota con la inmediatamente superior o inferior por grados conjuntos.

Trino

El trino es un adorno musical que consiste en una rápida alternancia entre dos notas adyacentes, por lo general a un semitono o un tono de distancia, que puede ser identificado por el contexto del trino. 

Este ornamento sepresenta en las partituras y partichelas mediante las letras tr, o bien sólo con una t, situadas por encima de la nota.

Bordadura

La bordadura consiste en una o más notas que rodean a la nota principal por grados conjuntos o cromáticamente. Puede ser ascendente (superior) o descendente (inferior) y tiene lugar en la parte o tiempo débil del compás.

Ejemplos de adornos

Fuente: http://es.m.wikipedia.org/wiki/Adorno_(música)