Modos Eclesiásticos.

El canto gregoriano está basado en 8 modos ordenados en pares: protus, deuterus, tritus y el tetrardus.

Cada uno de los modos terminan en una misma nota re, mi, fa y sol respectivamente, llamada “final”. El protus está formado por dos modos: el auténtico-dórico y el plagal-hipodórico; el deuterus por el auténtico-frigio y el plagal-hipofrigio; el tritus por el auténtico-lidio y el plagal-hipolidio; y el tetrardus por el por el auténtico-mixolidio y el plagal-hipomixolidio.

Todos los modos constan de un pentacordo y un tetracordo, la diferencia entre el auténtico y el plagal es el orden. En los modos auténticos es pentacordo+tetracordo, y en el plagal es tetracordo+pentacordo. En el plagal la nota de unión entre el tetracordo y el pentacordo es la “final”.

Casi siempre los modos se escribían sin alteraciones, haciendo una sola excepción: el Si b. aparecía con mucha frecuencia en el modo auténtico lidio (fa-fa´) que sería equivalente a la escala mayor actual.

Cada modo contiene una nota llamada “Dominante”; en el modo auténtico la dominante es la quinta superior a la final, en el plagal es la tercera superior, pero a partir del siglo X las dominantes de los modos 3, 4, y 8 subieron un tono y se han mantenido así. Se transportaban los cantos con los modos no con los neumas, por lo que cada quien cantaba los intervalos cómodamente. En el siglo XVI, se produjeron 4 nuevos modos, el jónico, hipotónico, el eólico y el hipo eólico.

Los textos que no habían sido adaptados a melodías se cantaban como recitativos. Para esto se crearon fórmulas recitativas. Las sílabas acentuadas del texto tienen que coincidir con las inflexiones de la voz.

Fuente:http://es.m.wikipedia.org/wiki/Modo_musical

1ra SEMANA: Modos griegos.

Un modo griego es una organización de sonidos descendentes (que van de un sonido agudo a uno más grave) estableciendo distancias de tono o medio tono entre los siete sonidos que lo conforman. Los modos griegos establecen los fundamentos teóricos para lo que se denomina posteriormente escalas musicales. Para ser más comprensible esta definición, se puede construir un modo o escala si se usan las notas de una escala mayor cambiando el «punto de partida», pero haciéndolos de forma descendente, por ejemplo, de do a do, si a si, completando las siete escalas, una sobre cada sonido.

En la teoría musical de la antigua Grecia es más apropiado emplear los términos harmonia o tonos (en plural harmoniai o tonoi), ya que la palabra «modo» es un término latino posterior. Los modos griegos antiguos o escalas griegas según la tradición de Aristoxeno de Tarento eran los siguientes:

Modo dórico: hypate meson–nete diezeugmenon (mi′–mi″)

Modo locrio (común) o modo hipodórico: mese–nete hyperbolaion o proslambnomenos–mese (la′–la″ o la–la′)

Modo frigio: lichanos hypaton–paranete diezeugmenon (re′–re″)

Modo hipofrigio: lichanos meson–paranete hyperbolaion (sol′–sol″)

Modo lidio: parhypate hypaton–trite diezeugmenon (do′–do″)

Modo hipolidio: parhypate meson–trite hyperbolaion (fa′–fa″)

Modo mixolidio: hypate hypaton–paramese (si–si′)

Tipos

Estos ocho modos se clasificaban en dos tipos:

Modos auténticos: dórico, frigio, lidio y mixolidio, que se construían descendentemente a partir de la nota tónica del modo mediante dos tetracordos idénticos separados por un tono entero.

Modos plagales: hipodórico, hipofrigio, hipolidio e hipomixolidio, que se obtenían desplazando una cuarta hacia abajo los anteriores y por eso se designan con igual nombre que los modos auténticos pero con el prefijo hipo que significa «debajo», «bajo de».

FUENTE:http://es.m.wikipedia.org/wiki/Modos_griegos

Salida didáctica: Teotihuacan. 24/10/14

Foto: Daniela Zamudio

Foto: María de Lourdes R. Noriega

Foto: María de Lourdes R. Noriega

Tonalidad menor.

Las escalas musicales en modo menor tienen como característica más destacada que la distancia entre su primer y tercer grados es de tercera menor (un tono y medio).

Escala menor natural

La escala menor natural es equivalente al modo eólico de la escala mayor. La escala menor natural de la (que coincide con las teclas blancas del piano al igual que su relativo mayor, do mayor) está formada por las notas: la, si, do, re, mi, fa, sol y la. La tradición musical occidental normalmente ha utilizado esta escala introduciendo una variación para tener mayor estabilidad. Dado que el acorde que se forma sobre el quinto grado de la escala menor natural es menor, históricamente se ha alterado la tercera de este acorde para que la cadencia V-I sonara más conclusiva. Esto nos da como resultado la llamada escala menor armónica.

Escala menor natural: 1 2 ♭3 4 5 ♭6 ♭7

Los acordes que se forman en cada grado de la escala menor natural son los siguientes:

I, acorde menor.

II, acorde disminuido.

III, acorde mayor.

IV, acorde menor.

V, acorde menor.

VI, acorde mayor.

VII, acorde mayor.

Escala menor armónica

La escala menor armónica se forma subiendo un semitono al séptimo grado

Escala de la menor natural: la-si-do-re-mi-fa-sol-la

Escala de la menor armónica: la-si-do-re-mi-fa-sol#-la

Escala menor melódica

La escala menor melódica tiene la particularidad de que ―cuando se interpreta con movimiento ascendente― sus grados VI y VII ascienden un semitono, pero ―cuando el movimiento es descendente― se tocan sin cambios. Es decir, combina la escala menor bachiana (al interpretarlo hacia los agudos), y la escala menor natural (al tocarlo hacia los graves). 

Las funciones armónicas en las tonalidades menores

En las tonalidades menores encontramos las mismas funciones armónicas que en las tonalidades mayores. Sin embargo los acordes cambian. En la siguiente tabla pueden ver los tipos de acordes dentro de ambos modos:

  Tonalidad mayor    Tonalidad menor

I Acorde mayor    Acorde menor

IV Acorde mayor    Acorde menor

V Acorde mayor    Acorde mayor1

II Acorde menor    Acorde disminuido

VII Acorde disminuido Acorde disminuido2

(1) En el caso de las tonalidades menores el V debe ser un acorde menor si usamos la escala menor natural. SIn embargo para obtener la función de dominante, debemos alterar su 3ra y convertir el acorde en mayor. Es por esto que la escala menor con el VII grado alterado recibe el nombre de escala menor armónica ya que esta alteración se basa en una razón de tipo armónico (vea La escala menor).

(2) En forma similar al V grado, el VII grado debe ser alterado para que pueda tener función de dominante.

Cadencia Frigia o Andaluza: Esta cadencia, típica de nuestro país comenzó a utilizarse durante el siglo XVI y hasta hoy sigue vigente. Tiene un marcado carácter modal, en este caso, el modo frigio ya que la cadencia aparece de forma natural en la escala descendente frigia. Esta escala, que llegó a nuestra península a través de la cultura musulmana por lo que podemos encontrarlos en muchos países del norte de África. Incluso llegó a extenderse, a través de Bizancio a Rusia. De hecho, la primera definición de esta cadencia fue escrita por Romsky-Korsakov en su tratado de armonía de 1886. A pesar de nacer como una cadencia modal, sus características le han permitido adaptarse al sistema de la tonalidad manteniendo así su supervivencia y difusión en Europa. Es por ello, que la definiremos aquí como una cadencia tonal.

Esta semicadencia, construida de forma natural en el modo menor, tiene manifestaciones. La extendida, formado por cuatro acordes, y la abreviada, por sólo dos. 

Escala pentatónica menor

La pentatónica menor es una escala relativa de la pentatónica mayor. Así pues, la pentatónica menor de la estaría formada por las mismas notas que la pentatónica mayor de do pero comenzando en la, dando como resultado la-do-re-mi-sol-la.

Aplicar el esquema de intervalos tono y medio-tono-tono-tono y medio-(tono) a partir de una nota concreta. Desde la el resultado es la-do-re-mi-sol-la.

Partiendo de una escala menor, eliminar los grados segundo y sexto menor. En otras palabras, tomar de la escala menor natural los tonos 1, 3, 4, 5 y 7. Por ejemplo, en la escala de la menor (la-si-do-re-mi-fa-sol) se omiten el segundo grado y el sexto menor (si y fa) y se obtiene la-do-re-mi-sol-la.

También puede entenderse como una escala de blues con determinados huecos.


Ejemplo de piezas en tonalidad menor:
http://m.youtube.com/watch?v=a-GCT8isJp4
http://m.youtube.com/watch?v=VWPACef2_eY
http://m.youtube.com/watch?v=TRZLxxR23K4


Fuentes:
http://teoria.com/aprendizaje/funciones/menores.php
http://tono-menor.blogspot.mx/2012/03/teoria-las-cadencias-iii.html?m=1
http://tono-menor.blogspot.mx/2012/10/top-5-la-obra-mas-triste-jamas-compuesta.html?m=1
http://es.m.wikipedia.org/wiki/Modo_menor
http://es.m.wikipedia.org/wiki/Escala_pentat%C3%B3nica

SEMANA 2: Armonía

SONATA CLÁSICA
La sonata clásica, la forma más difundida de esta forma musical, es una obra que consta de tres o cuatro movimientos, compuesta para uno, dos o tres instrumentos. Inicialmente predominaron las formas de tres movimientos, especialmente en la época clásica, pero a medida que aumentaban tanto su complejidad como duración se popularizaron las de cuatro movimientos.

CONCERTO GROSSO
El concerto grosso era una forma instrumental barroca de origen italiano basada en la contraposición entre un pequeño grupo de solistas y una orquesta completa (el tutti). El concerto grosso data aproximadamente de 1680 y puede atribuirse a Alessandro Stradella, quien parece haber escrito la primera obra musical en la cual un "concertino" y un ripieno se enfrentan de forma característica, a pesar de no usar el término concerto grosso.

SINFONÍA
Una sinfonía es un tipo de composición musical para la orquesta, dividida en cuatro movimientos, cada uno con un tiempo y estructura diferente. La forma de la sinfonía ha variado con el tiempo, por ejemplo, las contemporáneas deArthur Honegger son de 3 movimientos. El tamaño de la orquesta necesaria para interpretar una sinfonía, en general, ha crecido con el tiempo: mientras una orquesta de cámara con un par de docenas de instrumentos es suficiente para interpretar una sinfonía de Joseph Haydn, una de Gustav Mahler puede requerir varios centenares de intérpretes.

POEMA SINFÓNICO
Un poema sinfónico es una obra de origen extra musical, de carácter poético literario, cuya finalidad es mover sentimientos y despertar sensaciones, o describir una escena mediante la música. Generalmente consta de un único movimiento y está escrito para orquesta, aunque puede ser para piano o para pequeñas formaciones instrumentales. El poema sinfónico es una guía para el desarrollo de la forma musical como tal en términos técnicos.

FANTASÍA
La fantasía es una forma musical libre que se distingue por su carácter improvisatorio e imaginativo, más que por una estructuración rígida de los temas. Así, permite al compositor una mayor expresividad musical relajando las restricciones inherentes a otras formas tradicionales más rígidas, como la sonata o la fuga. Sin embargo, esto no quiere decir que una fantasía carezca por completo de estructura formal. De hecho, muchas fantasías se basan en la forma sonata en aspectos tales como el uso y reexposición de varios temas, o la delimitación de secciones contrastantes entre sí, pero con un tratamiento mucho más libre.

PRELUDIO ROMÁNTICO Y BARROCO
Es el barroco siglo XVII el que asiste al prolífico matrimonio entre el preludio y la “fuga”. Este nuevo género, el celebérrimo de “Preludio y fuga”, que goza de una precisa y rigurosa construcción compositiva, combina la introducción libre, recreativa y clásica del preludio con una sección posterior plena de concisión, regularidad y didáctica, la fuga en sí misma, que servía de epílogo o de contraste con respecto a la primera parte. Y en el transcurso del siglo XIX y en el comienzo del XX cuando asistamos al devenir del preludio (“a secas”) para piano, breve composición que obtiene una independencia total con respecto a otras formas.

Fuente: http://es.m.wikipedia.org/wiki/Sonata
               http://es.m.wikipedia.org/wiki/Concerto_grosso
               http://es.m.wikipedia.org/wiki/Sinfonía
               http://es.m.wikipedia.org/wiki/Poema_sinfónico
               http://es.m.wikipedia.org/wiki/Fantasía_(música)
               http://orfeoed.com/melomano/2012/articulos/claves-para-disfrutar-de-la-musica/formas-musicales/el-preludio/

SEMANA 1: Notas de adorno

Nota de paso

La nota de paso lleva por grados conjuntos o cromáticamente de una nota a otra.

Las notas de paso ocurren en las partes débiles del compás o tiempo.

Apoyatura 

Se trata de una nota que no pertenece a la melodía o al acorde. Normalmente da lugar a una disonancia con respecto a la armonía predominante que inmediatamente después se resuelve por grados conjuntos en el siguiente tiempo débil.

Mordente

El mordente (del latín mordere, "morder") es un adorno melódico que por lo general indica que la nota principal o real (la nota escrita) debe ser tocada con una única alternancia rápida de dicha nota con la inmediatamente superior o inferior por grados conjuntos.

Trino

El trino es un adorno musical que consiste en una rápida alternancia entre dos notas adyacentes, por lo general a un semitono o un tono de distancia, que puede ser identificado por el contexto del trino. 

Este ornamento sepresenta en las partituras y partichelas mediante las letras tr, o bien sólo con una t, situadas por encima de la nota.

Bordadura

La bordadura consiste en una o más notas que rodean a la nota principal por grados conjuntos o cromáticamente. Puede ser ascendente (superior) o descendente (inferior) y tiene lugar en la parte o tiempo débil del compás.

Ejemplos de adornos

Fuente: http://es.m.wikipedia.org/wiki/Adorno_(música)

3ra SEMANA: Sistema de organización musical

Suite Barroca

La Suite barroca está compuesta de danzas barrocas comenzando a menudo con un preludio. Las danzas comparten la misma tonalidad pero se ordenan para crear contraste entre tempo y métrica. La suite se conoce también como partita o sonata.

Courante

La corrente, también llamada courante, coranto o corant es el nombre dado a una familia de danzas ternarias de finales del Renacimiento y principios del período Barroco. 

Concierto grosso

El concerto grosso era una forma instrumental barroca de origen italiano basada en la contraposición entre un pequeño grupo de solistas (un concertino) y una orquesta completa. El concerto grosso data aproximadamente de 1680 y puede atribuirse a Alessandro Stradella, quien parece haber escrito la primera obra musical en la cual un "concertino" y un ripieno se enfrentan de forma característica, a pesar de no usar el término concerto grosso. El primer compositor mayor del llamado concerto grosso fue Arcangelo Corelli, amigo de Stradello.

En tiempos de Corelli, se distinguían dos tipos distintos del concerto grosso: el concerto da chiesa (concierto de iglesia) y el concerto da camera (concierto de cámara). El primero era más formal y generalmente alternaba entre secciones largo o adagio (lentas) con allegro (rápidas), mientras que el segundo tenía el carácter de una suite de danzas, compuesta por un preludio y varios tipos de movimientos de danza. 

Sonata

Sonata es el nombre dado a distintas formas musicales, empleadas desde el período barroco hasta las experiencias más futurísticas de la música contemporánea. Por sonata se entiende, según el modelo clásico, tanto una pieza musical completa, como un procedimiento compositivo que utiliza dos temas generalmente contrastantes. En la época barroca, es decir, antes de 1750, el término sonata se utilizó con relativa libertad para describir obras reducidas de carácter instrumental, por oposición a la cantata, que incluía voces. En la época de Arcangelo Corelli se practicaban dos tipos de género bajo el nombre de sonata: la sonata da chiesa (sonata de iglesia), habitualmente para un instrumento que llevaba la melodía (violín o flauta) y un bajo continuo (que en el caso de la sonata da chiesa era tocado preferentemente por instrumentos como la tiorba o el órgano). 

Cantata

La cantata ("cantada", del italiano cantare) es una pieza musical escrita para una o más voces solistas con acompañamiento musical, generalmente en varios movimientos y en ocasiones con un coro. Se distingue de la pieza para ser tocada o «sonada» (la sonata). La cantata tiene su origen a principios del siglo XVII, de forma simultánea a la ópera y al oratorio. El tipo más antiguo de cantata, conocido como cantata da camera, fue compuesto para voz solista sobre un texto profano. Contenía varias secciones en formas vocales contrapuestas, como son los recitativos y las arias. 

Tocata

Tocata (del Italiano toccata, «para tocar») es una pieza de música renacentista y música barroca para teclado, que generalmente enfatiza la destreza del practicante. Dicha forma apareció por primera vez en el periodo renacentista, donde se originó en el norte de Italia. Varias publicaciones de los años 1590 incluyen tocatas, escritas por compositores tales como Girolamo Diruta, Adriano Banchieri, Claudio Merulo, Andrea y Giovanni Gabrieli, y Luzzasco Luzzaschi entre otros. Estas eran composiciones para teclado en las cuales una mano y luego la otra, realizaban virtuosas corridas y pasajes en cascada con un acompañamiento de la otra mano.

Polifonía

La polifonía (del griego πολις [polis] = "muchas" y φονος [phonos] = "sonidos, melodías") en música es un tipo de textura musical en la que suenan simultáneamente múltiples voces melódicas que son en gran medida independientes o imitativas entre sí, de importancia similar y ritmos diversos. Por lo tanto, se diferencia de la música a una sola voz (monofonía) así como de la música con una voz dominante melódica acompañada por acordes (homofonía, melodía acompañada).

Fuente:http://es.m.wikipedia.org/wiki/Courante

              http://www.teoria.com/aprendizaje/formas/suite/

              http://es.m.wikipedia.org/wiki/Concerto_grosso

              http://es.m.wikipedia.org/wiki/Sonata

              http://es.m.wikipedia.org/wiki/Cantata

              http://es.m.wikipedia.org/wiki/Tocata

              http://es.m.wikipedia.org/wiki/Polifon%C3%ADa

3ra SEMANA: Tesitura

En música, el término tesitura (del italiano tessitura) hace referencia a la zona de la extensión de sonidos de frecuencia determinada que es capaz de emitir una voz humana o un instrumento musical. Se suele indicar señalando el intervalo de notas comprendido entre la nota más grave y la más aguda que un determinado instrumento o voz es capaz de emitir.

Aclaración: 

No hay que confundir tesitura con registro. El registro es el espectro total de sonidos que nuestro AF (Aparato Fonador) es capaz de generar. Al hablar de Tesitura no hablamos ni de exceso, ni de extensión, ni de cantidad, sino de calidad sonora.

Clasificación vocal:

Las voces femeninas se asignan a una soprano, una mezzo-soprano o una con-tralto. La primera es la más aguda y se subdivide en tres tipos: soprano dramática, soprano lírica y soprano coloratura. La mezzo-soprano tiene rasgos comunes a la soprano y a la contralto, siendo esta última la menos común de las voces y de registro más grave.

Respecto a las voces masculinas, la más aguda es la del tenor, que puede dividirse en lírico y dramático. Más grave y profunda es la del barítono, que se sitúa entre el tenor y el bajo. Hay barítonos ligeros y barítonos bajos. Por último, los bajos tienen el registro de voz más grave y se clasifican en bajo lírico y bajo profundo.

Fuente: http://m.muyinteresante.es/historia/preguntas-respuestas/icuantos-tipos-de-voces-hay-en-el-canto

Canto llano

El término canto llano designa a la música vocal tradicional de las liturgias cristianas, el cual es oficial del rito romano. Este es por esencia monódico, es decir, consta de una única línea melódica, y generalmente se canta a capella.
El Canto Llano es un género vocal tradicional, muy antiguo, ligado a la Iglesia Cristiana cuya principal característica es la monodia (una sola melodía). No se puede especificar exactamente la fecha de su origen pero ya el escritor Plinio el Joven (61-112 d.C.) dio testimonio de como los cristianos utilizaban el canto para alabar al Mesías.
La Iglesia judía había catalogado a todos los instrumentos musicales de paganos excepto al shofar (instrumento de viento  partir del cuerno de un animal) que era muy limitado en su capacidad melódica. La voz humana se convirtió lógicamente en el único instrumento de difusión musical dentro de la Iglesia judía transmitiéndose posteriormente esta tradición a la cristiana. Este método de difusión de la divina palabra dentro y fuera de la iglesia se extendió aún más cuando Constantino reconoció oficialmente al Cristianismo como religión en el 313.  Así, por todo el Mediterráneo, cada cultura añadió su propio toque al nuevo rito cristiano y a su canto asociado.
El canto llano generaría multitud de formas musicales litúrgicas con identidad propia como las antífonas, las salmodias, himnos, responsorios, etc. De los que hablaremos en futuras entradas.
A partir del siglo XIV, la polifonía comenzó a comerle terreno al canto llano, que en esta época se denominaba cantus planus (en oposición al cantus orgánicus que era polifónico).

canto llano.

Fuente: http://es.m.wikipedia.org/wiki/Canto_llano

               http://tono-menor.blogspot.mx/2012/02/genero-canto-llano.html?m=1

    

Bajo continuo y cifrado.

El bajo continuo es una técnica de composición y ejecución propia y esencial del período barroco, que por ello suele ser denominado época del bajo continuo. Al emplear esta técnica, el compositor crea la voz de bajo pero no especifica el contrapunto o los acordes del ripieno, que deja a cargo del o los intérpretes. El bajo continuo puede contener ‘‘cifras‘‘ para guiar al ejecutante, origen del término bajo cifrado.

El bajo continuo es ejecutado por uno o varios instrumentos, típicamente un instrumento armónico (es decir, capaz de producir acordes o polifonía) como los instrumentos de teclado (clavecín, órgano) u otros como el arpa y el laúd, con la voz de bajo simultáneamente a cargo de un instrumento de tesitura grave como el violoncello, fagot la viola da gamba, contrabajo y en algunas ocasiones  contrafagot.

El bajo continuo tuvo su origen en ciertos métodos puestos en práctica en el siglo XVI, cuando algunas composiciones corales (como los motetes) eran acompañadas por el órgano a través de una técnica que consistía en improvisar los acordes que mejor se avenían a la armonía del conjunto. 

Esta técnica llegó a su pleno desarrollo en los dos siglos siguientes y es característica del barroco, donde fue utilizado por los principales compositores como Bach, Händel o Vivaldi. En ese periodo alcanzó un grado de madurez excepcional, trasladándose al dominio de la música de cámara y de orquesta. Perdió importancia con el advenimiento del clasicismo.

Ejemplo de bajo continuo con cifrado

El bajo cifrado es un sistema de cifrado musical, originado en el Barroco, a partir de un género y estilo musical determinado: el bajo continuo. Consiste en un sistema de representación mixto en que bajo una línea convencional de bajo se escriben cifras que representan los acordes que deben realizarse simultáneamente con dicha línea grave. Es decir, es un lenguaje de abreviaturas armónicas. La realización exacta de melodías intermedias proporcionadas por dichos acordes apuntados, se dejaba a la ejecución o inspiración del instrumentista (en muchas ocasiones, el director de la orquesta, al clave; o el maestro de capilla, al órgano).

Esta abreviatura acórdica se vio desde el primer momento favorecida por la enorme frecuencia de los acordes perfectos en ese momento histórico, lo que hizo posible presuponerlos cuando no hubiera cifra alguna, y originar así un sistema desarrollado de simplificaciones (estenográfico) de enorme concisión y eficacia, a la hora de esquematizar una armonía.

Ejemplo de bajo cifrado original.




Fuente: http://es.m.wikipedia.org/wiki/Bajo_cifrado
  http://es.m.wikipedia.org/wiki/Bajo_continuo

Organum.

El órganum es una forma de polifonía occidental primitiva (entre los siglos XI y XII). Está basada en la repetición paralela de la misma melodía, nota por nota, pero generalmente a una distancia de cinco notas (una quinta justa) más agudas. Este tipo de contrapunto primitivo también es llamado diafonía o paralelismo. 

En la música occidental de la Edad Media, el órganum es un género musical de música sacra vocal e instrumental, destinado a mejorar la interpretación de un pasaje añadiendo una segunda voz paralela.

Las primeras referencias escritas se remontan al siglo IX, en el célebre tratado Música enchiriadis, atribuidos al monje franco-flamenco Hucbaldo de Saint Amand (840-930).

El órganum básico era la superposición paralela de una quinta justa ascendente. Pero a veces también se empezó a enriquecer con una cuarta descendente (que es el equivalente a la misma quinta ascendente, pero una octava más grave) y también de la octava ascendente.

Método de polifonía primitiva vocal.

Fuente: http://es.m.wikipedia.org/wiki/%C3%93rganum

2a SEMANA: Breve o Cuadrada

Una cuadrada en solfeo es una figura musical histórica que posee una duración de ocho pulsos de negra, equivalente a dos redondas ligadas. El origen de la cuadrada es la brevis o breve de la notación mensural. Es denominada breve en inglés británico y double whole note en inglés americano.

En la música medieval la brevis o breve era una de las duraciones de nota más cortas, de ahí que se le adjudicara la denominación breve, que es el cognado en latín de «wikt:breve». En aquel tiempo podía ser la mitad o bien un tercio de la duración de la longa. Sin embargo, en la actual notación musical es el valor de nota más larga todavía en uso.

En los compases actuales rara vez se encuentra una cuadrada. Excepto en la música inglesa, donde la blanca suele usarse como unidad básica del pulso.

Formas de representar una cuadrada o breve.

Fuente:http://es.m.wikipedia.org/wiki/Cuadrada

Origen de la Música

Para el hombre primitivo había dos señales que evidenciaban la separación entre vida y muerte. El movimiento y el sonido. Los ritos de vida y muerte se desarrollan en esta doble clave. Danza y canto se funden como símbolos de la vida. Quietud y silencio como símbolos de la muerte.

El hombre primitivo encontraba música en la naturaleza y en su propia voz. También aprendió a valerse de rudimentarios objetos (huesos, cañas, troncos, conchas) para producir nuevos sonidos.

Hay constancia de que hace unos 50 siglos en Sumeria ya contaban con instrumentos de percusión y cuerda (liras y arpas). Los cantos cultos eran más bien lamentaciones sobre textos poéticos.

En Egipto (siglo XX a.C.) la voz humana era considerada como el instrumento más poderoso para llegar hasta las fuerzas del mundo invisible. Lo mismo sucedía en la India. Mientras que en la India incluso hoy se mantiene esta idea, en Egipto, por influencia mesopotámica, la música adquiere en los siguientes siglos un carácter profundo, concebida como expresión de emociones humanas.

Hacia el siglo X a.C., en Asiria, la música profana adquiere mayor relieve gracias a las grandes fiestas colectivas.

Es muy probable que hacia el siglo VI a.C., en Mesopotamia, ya conocieran las relaciones numéricas entre longitudes de cuerdas. Estas proporciones, 1:1 (unísono), 1:2 (octava), 2:3 (quinta), y 3:4 (cuarta), y sus implicaciones armónicas fueron estudiadas por Pitágoras (siglo IV a.C.) y llevadas a Grecia, desde donde se extendería la teoría musical por Europa.

El término "música" proviene del griego "musiké" (de las musas). Por eso la paternidad de la música, tal como se la conoce actualmente, es atribuida a los griegos. En la mitología griega, las musas eran nueve y tenían la misión de proteger las artes y las ciencias en los juegos griegos.

 En la prehistoria aparece la música en los rituales de caza y en las fiestas donde, alrededor del fuego, se danzaba hasta el agotamiento. La música está basada principalmente en ritmos y movimientos que imitan a los animales.

Los tres grupos de Educación Infantil han preparado un teatro en el que vemos a un grupo de hombres y mujeres primitivos que descubren el fuego y a un grupo de animales que llenaban la tierra en esos tiempos. Luego representarán una escena de caza y por último una danza ritual con timbones alrededor del fuego.

La música el la antigüedad es aquella en la cual las manifestaciones musicales del hombre consisten en la exteriorización de sus sentimientos a través del sonido emanado de su propia voz y con el fin de distinguirlo del habla que utiliza para comunicarse con otros seres.

Los primeros instrumentos fueron los objetos o utensilios o el mismo cuerpo del hombre que podían producir sonidos.

Fuente:http://m.monografias.com/trabajos29/musica/musica.shtml

El oído

Las orejas y los oidos constituyen el equipamiento necesario que permite la compleja transferencia de energía y el sistema de cambio, capaz de convertir las ondas sonoras en energía mecánica que posibilita la escucha.

Esa energía fluye y luego se convierte en energia  odo esto, sucede apenas en un mínimo instante, tanto es así que todo nos resulta en un funcionamiento inmediato a tiempo real. El oído humano se divide en 3 partes diferentes: el oído externo, el medio y el interno. El externo es la parte visible, desde donde, gracias a nuestro sentido de la vista, se puede ver la entrada del canal auditivo y funciona como una especie de auricular-receptor. Dividiendo el oído externo del medio, encontramos el tímpano, compuesto por un grupo de membrana timpánica. El tímpano es una delgada y sofisticada membrana de color gris, que vibra con cada sonido que llega a través del oído externo y fluye por el canal auditivo. Este órgano transmite las vibraciones a los huesecillos del oído conocidos como "osiculos auditivos" (los tres huesos más pequeños del cuerpo humano) y son enviados a la coclea, o al caracol una especie de laberinto lleno de líquido (líquido coclear) en donde residen los verdaderos órganos auditivos, por decirlo de cierto modo. Todo este colectivo de órganos encargados de procesar es lo que llamamos el sistema auditivo.

El órgano auditivo y sensorial más importante es el órgano de Corti, que se encuentra dentro de la cóclea y que contiene entre 15.000 y 20.000 células sensoriales especializadas que captan las vibraciones enviadas al líquido o al fluido coclear. Esas células, similares a pequeñísimos cabellos, captan diferentes frecuencias en las vibraciones y las envían al cerebro como energía eléctrica. 

Llamado así en honor al científico y anatomista italiano Alfonso Corti, quien descubrió la existencia del órgano en el año 1851 gracias a sus experimentos con el microscopio.

Fuente:http://curiosidades.batanga.com/2010/10/29/%C2%BFcomo-funciona-el-sentido-del-oido

Sistema Temperado

En música, el temperamento igual (que no debe confundirse con el sistema justo de afinación) es el nombre común del sistema temperado de doce notas, que es el sistema de afinación más utilizado actualmente en la música occidental, y que se basa en el semitono temperado, igual a la doceava parte de la octava y de razón numérica igual a la raíz doceava de dos, con una amplitud interválica de 100 cents. La propiedad más notable del temperamento igual es la igualdad de altura entre las notas enarmónicas, que se deriva de la utilización de un solo tipo de semitono. Así pues, en este sistema no existen comas, sino que el semitono temperado es el menor intervalo posible entre dos notas consecutivas.

Fuente: Wikipedia

LEY DE LOS ARMÓNICOS

Serie armónica, sucesión de los sonidos cuyas frecuencias son múltiplos enteros positivos de la de una nota base, llamada fundamental. El origen de la serie armónica está en la vibración fraccionada (por mitades, tercios, etc.) de cuerpos vibrantes sencillos y de una dimensión principal, como las cuerdas tensas y las columnas de aire contenidas en tubos sonoros. Cuando se altera el estado de equilibrio de un cuerpo vibrante de este tipo, su forma natural de vibrar es compleja pero se descompone en una serie de movimientos combinados, o modos de vibración. Cada uno de los modos de vibración produce un sonido distinto de la serie. Si se analiza el sonido que emite una cuerda vibrante o un tubo, se apreciará una combinación de sonidos, lo que significa que el cuerpo está vibrando según una mezcla o combinación de los movimientos correspondientes a cada uno de los modos. Por ejemplo: dicho de una forma más simple, si el sonido contiene los armónicos 1, 2, 3 y 4, el cuerpo está vibrando al mismo tiempo según los modos 1 al 4, superpuestos y combinados entre sí.

 En una teoría simplificada del timbre musical, cada uno de los sonidos de la serie armónica es un componente del timbre o color del sonido representado por una nota cuya frecuencia es la del sonido fundamental. A los sonidos de la serie armónica, componentes del timbre, se les llama sonidos armónicos o simplemente armónicos.


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Vibración de una cuerda fraccionada.